Souper avec Caravage

Cette seconde version marque un tournant décisif dans sa manière. Gardant les éléments essentiels du récit (la table, la nappe, le pain), il resserre le cadrage et privilégie les obliques. Autour des bruns et des ocres, la palette s’assombrit. Le pinceau est plus fluide. La lumière latérale dramatise les contrastes. Plus d’intériorité, moins de théâtralité. Venue de Milan à titre d’échange, cette œuvre poignante située à dessein au centre de l’exposition fait valoir la place éminente de l’artiste dans la représentation d’un thème qui traverse l’histoire de l’art et des religions. Il y a en effet un avant et un après-Caravage. Deux des gravures qui ouvrent l’exposition, celles de Dürer et du Titien, l’ont peut-être inspiré. Évitant leur solennité, il fixe l’instant de stupeur des pèlerins et approfondit le sens de l’épisode. Les quatre tableaux présentés à la suite s’inscrivent dans l’héritage caravagesque. Ils reprennent le sujet avec originalité et un réalisme appuyé. Celui de Matthias Stomer, Le Repas d’Emmaüs (1630), est le plus intéressant en raison des symboles qu’il réunit. Dans le silence de la dernière salle, le visiteur est invité à saisir le lent passage des émotions de cinq visages filmés de près par Bill Viola. Une expérience en clair-obscur que Caravage n’aurait probablement pas désavouée.