Mercredi 21 février 2018

Paroles d’artiste - Ann Veronica Janssens

« J’essaie de dématérialiser les matériaux »

Par Frédéric Bonnet · Le Journal des Arts

Le 26 mai 2010

La galerie Air de Paris, à Paris, expose les derniers travaux d’Ann Veronica Janssens (née en 1956 en Grande-Bretagne ; vit et travaille à Bruxelles). L’artiste joue ici avec brio de la lumière et des mécanismes de la perception afin d’engendrer la matière.

À propos de votre accrochage mêlant quelques œuvres vidéo et sculptures, vous avez employé le terme de « laboratoire »…
Dans l’idée de laboratoire, il y a en premier lieu une mise en partage d’expérience. C’est peut-être cela que j’ai envie de proposer. Hormis Oscar (2009), qui montre Oscar Niemeyer fumant au cours d’une pause, les films ont tous ici un statut particulier. Ce sont des objets qui ne sont pas vraiment des vidéos au sens classique, car ils appartiennent justement à cette idée de laboratoire et d’expérience, de mise à disposition.

Le visiteur de votre exposition est-il plutôt enclin à chercher ou à découvrir ?
Cela dépend des œuvres. Certaines sont plus à découvrir ou à contempler, alors que d’autres interrogent et l’on devient alors un peu plus actif. Il y a des indices, des petits mystères, des petites lois simples de la physique, de la chimie ou de la sculpture, [ce qui requiert] à la fois un peu de contemplation mais aussi une part plus active. Dans nombre de mes installations, le spectateur fait une grande partie du travail. Beaucoup de choses sont données à expérimenter, et sont relatives à sa propre perception.

Le temps peut-il être un facteur qui va façonner l’œuvre ?
Il est l’un des facteurs mais il n’est pas le seul, et il est plus ressenti dans certains travaux que dans d’autres. Parfois il y a presque une sensation d’inversion du temps, de décélération. Il s’agit à nouveau de notions de perception. Le film Oscar est dans son temps réel, vécu, alors qu’on a l’impression que la personne est filmée au ralenti.

La première salle de la galerie est occupée par des sculptures qui, toutes, ont un rapport particulier à la fois à la lumière et à la couleur. Liez-vous nécessairement les deux ?
Au départ, j’ai travaillé avec la couleur des matériaux ; celle-ci est arrivée à l’époque de mon premier brouillard coloré. Il y avait là un plaisir de la couleur, mais aussi un travail avec les phénomènes de persistance rétinienne et les possibilités de créer de la couleur. [Je pense] que l’on porte en soi à la fois l’espace et la couleur, et que l’on peut la produire. Lumière et couleur sont donc très intimement liées dans mes expériences. Finalement, j’essaye d’approcher la couleur par la lumière, et inversement parfois. J’utilise aussi la couleur à partir de son invisibilité, et donc son apparition par sa transparence.

La lumière a chez vous des incidences en termes de volume, de plastique sculpturale, comme dans le ruban en PVC enroulé (Plastillon Vert grand froid), ou le Disque anodisé noir en métal produisant des rayons lumineux qui semblent pénétrer l’espace. Cette matérialisation de la lumière vous permet-elle d’interroger le volume ?
J’utilise en effet depuis très longtemps la lumière afin d’essayer de sculpter, de percevoir des choses, des formes, à partir de cette transparence. Ainsi des corps noirs [évoqués par des] demi-sphères concaves qui créaient des corps convexes. Ce Disque anodisé noir est une version d’un disque en aluminium gravé d’un sillon qui créait un petit cône de lumière. Et, en version artificielle, il y avait eu un grand cône de lumière. Beaucoup d’œuvres ont une version naturelle et une autre artificielle par le biais de la lumière qui leur donne des formes.

Avec la poutre en acier rouillée  dont la face supérieure est une surface miroir (IPE 285), ou la suspension d’eau et d’huile dans un cube de verre (Lilas Dream), on entre dans une sorte de paradoxe. Le goût de la contradiction anime-t-il votre travail ?
Oui, cela agit souvent. J’essaye de dématérialiser les matériaux et les fluides, de pulvériser l’architecture, qui, en même temps, reste présente, comme dans les expériences de brouillard. On trouve donc effectivement ce genre de paradoxes. Dans l’IPE, une sorte d’alchimie tente de transformer en lumière le matériau brut. Celui-ci acquiert, me semble-t-il, une fluidité, une liquidité au niveau de sa surface ; il se produit donc une forme de dématérialisation de cette matière. Et puis il y a ce jeu des corps solides et liquides : mettre en forme, créer des masses, donner une géométrie…, toutes ces questions de sculptures sont pensées à partir de fluides.

ANN VERONICA JANSSENS, MAY, jusqu’au 19 juin, Air de Paris, 32, rue Louise-Weiss, 75013 Paris, tél. 01 44 23 02 77, www.airdeparis.com, tlj sauf dimanche-lundi 11h-19h.

Cet article a été publié dans Le Journal des Arts n°326 du 28 mai 2010, avec le titre suivant : Paroles d’artiste - Ann Veronica Janssens

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