Art moderne

Grenoble (38)

Georgia O’Keeffe, l’expérience du sublime

Musée de Grenoble jusqu’au 7 février 2016

Par Philippe Piguet · L'ŒIL

Le 18 novembre 2015 - 681 mots

Il aura donc fallu attendre quasi trente ans, depuis sa mort en 1986, pour qu’un musée se décide à faire enfin la première exposition personnelle en France de Georgia O’Keeffe.

Figure emblématique d’une histoire de la peinture américaine, on peut se demander pourquoi elle est restée si longtemps méconnue chez nous. Est-ce l’ombre que lui a faite son compatriote Edward Hopper ? Ou celle de son mari, l’immense photographe Albert Stieglitz, fondateur notamment de la Galerie 291 ? Est-ce le fait qu’elle était une femme dans un pays essentiellement machiste ? Ou bien que sa peinture balançait par trop entre figuration et abstraction ? Sans doute un peu de tout cela. Et pourtant Georgia O’Keeffe a laissé une œuvre puissante et singulière, incroyablement sensuelle, hautement colorée, qui préfigure nombre d’aventures prospectives de la modernité de son siècle.

L’exposition que lui consacre le Musée de Grenoble – laquelle devait être partagée à l’origine avec le Musée des beaux-arts de Nantes dont la municipalité a décidé, à la grande honte du musée, de se retirer du jeu au dernier moment – a choisi de présenter la démarche de l’artiste à l’aune de ses relations privilégiées avec « ses amis photographes ». C’est là en effet l’une des premières caractéristiques de son œuvre et non des moindres, signe pionnier de son influence dans ce rapport entre la peinture et la photographie tel qu’il s’est développé par la suite. Si elle a été formée par un professeur proche de l’Art nouveau, y puisant le goût de la ligne et de la synthèse, c’est sa rencontre avec Stieglitz, dont elle devient la femme en 1924, qui détermine toute sa carrière. Tandis que celui-ci multiplie les prises de vue de sa muse, elle se réfugie dans une peinture qui exclut toute référence à la figure humaine et au corps. Ses peintures de fleurs des années 1920 témoignent du plaisir qu’elle a à s’immerger dans la couleur infuse multipliant images de volutes, d’effractions, de pleins et déliés aux formes organiques, voire sexuelles, dont l’abstraction n’est pas sans faire penser à celle des artistes de l’Europe de l’Est façon Kupka.

Comme l’explique Guy Tosatto, le directeur du musée, « O’Keeffe estime que la figuration humaine, c’est déléguer aux photographes ». Il en est de même de la ville dont elle brossera aussi quelques images du temps de son installation à New York. Là où l’artiste excelle, c’est l’abstraction pure, sinon le paysage, encore l’appréhende-t-elle volontiers de manière générique, l’absorbant dans une vision sans véritable souci descriptif. C’est qu’« elle perçoit la réalité à travers l’abstraction », précise encore Tosatto. L’exposition grenobloise parcourt ainsi sa carrière dans la mise en confrontation avec tout un ensemble de photographies signées des plus grands – à commencer par Stieglitz lui-même, Imogen Cunningham, Paul Strand, Edward Weston, Ansel Adams… –, traversant une vie chargée qui a trouvé au Nouveau-Mexique et ses paysages désertiques « son » territoire.

Si, esthétiquement parlant, la forme abstraite est celle qui lui convient le mieux, c’est qu’elle lui permet de transcender sa vision et d’ouvrir son art à quelque chose de spirituel, fidèle en cela à la leçon de Kandinsky. L’art de Georgia O’Keeffe est requis par l’intime pour ce que ce qualificatif est le superlatif d’« intérieur ». Qu’il s’agisse d’œuvres comme Grey, Blue & Black – Pink Circle (1929), White Iris (1930), Purple Hills (1935), Pelvis 4 (1944) ou plus tardivement Canyon Country. White and Brown Cliffs (1965), les qualités de cadrage, de plan, de profondeur y sont à l’évidence l’expression de cette familiarité qu’avait l’artiste avec la photographie. Mais, par-delà cette considération, la peinture de O’Keeffe ouvre le champ à toutes sortes d’enquêtes artistiques en direction du minimalisme, du pop art, de l’abstraction expressionniste et du « color field ». L’une de ses dernières œuvres, alors qu’elle devient quasi aveugle, Sky above Clouds/Yellow Horizon and Clouds (1976-1977), faite d’une bande monochrome blanc qui occupe les trois quarts de la surface puis diffuse par en haut dans le jaune et le bleu, est impressionnante d’économie, d’étendue et de profondeur. Elle entraîne le regard à l’expérience du sublime.

« Georgia O’Keeffe et ses amis photographes »

Musée de Grenoble, 5, place de Lavalette, Grenoble (38), www.museedegrenoble.fr

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Cet article a été publié dans L'ŒIL n°685 du 1 décembre 2015, avec le titre suivant : Georgia O’Keeffe, l’expérience du sublime

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