Paroles d'artiste : Giuseppe Penone

« La chose qui touche a la même valeur que la chose touchée »

Par Frédéric Bonnet · Le Journal des Arts

Le 17 juin 2008

Giuseppe Penone présente trois œuvres graphiques de grand format (Peau de graphite, 2003-06), une sculpture de bronze et d’acier (La Géométrie dans les mains, 2007) et une installation monumentale en bronze (L’Espace de la sculpture, 2001) à la galerie Marian Goodman, à Paris. Entre exploration de l’espace, réflexion sur la peau et le toucher, l’artiste convoque une œuvre forte, délicate et élégante.

Comme le montrent vos nouvelles œuvres graphiques, la question de la peau devient omniprésente dans votre travail...
Je crois que cette question a toujours été là. Dès le départ, le problème était lié à la sculpture et au toucher, car on ne peut faire de sculpture sans toucher les choses ! De plus, ma réflexion a toujours beaucoup porté sur la manière de simplifier la sculpture, soit dans l’action, soit dans la matière. Le toucher, la peau, sont donc quelque chose de fondamental. Dans les années 1970, j’avais fait un travail qui était le développement de la peau du corps, dans l’idée que notre rapport à l’espace se fait avec la peau. Car chaque fois qu’on touche quelque chose notre corps change de forme. Ce problème est donc récurrent chez moi, mais il prend des aspects différents. Il y a ici, dans ces grands dessins noirs sur fond noir, ce rapport avec la peau et la surface. Le crayon est brillant et reflète la lumière, et faire un dessin de la peau devient comme faire un dessin d’un univers, d’un espace qui n’est plus limité à la forme anthropomorphe et peut devenir ce qu’on veut.

C’est un problème que vous développez aussi en négatif avec la grande installation composée de vingt-quatre moulages en bronze de l’écorce d’un cèdre ?
Il s’agit en effet du négatif d’une écorce, et c’est également un exemple d’élément de sculpture. L’intitulé en est L’Espace de la sculpture car quand on touche quelque chose il y a toujours un espace entre la main et la chose touchée ; c’est ce qui devient le sujet de l’œuvre. Dans la fusion du bronze à cire perdue, on met de la cire sur ce qui doit donner sa forme à ce qu’on crée. C’est cette épaisseur qui est l’espace de la sculpture, car quand il y a la cire il y a une matière pleine que l’on doit brûler par la suite. Je l’ai fait avec un arbre car il porte une écorce que l’on peut enlever, presque une peau. Et cela nous parle en outre de l’adhésion d’un corps à la surface. C’est pourquoi l’une de ces écorces de bronze est recouverte de cuir.

Le bronze est un matériau qui depuis longtemps vous est cher. Pour quelles raisons ?
C’est un matériau très persistant dans l’expression de l’homme. Et il a un côté très organique car il reproduit de façon extraordinaire le végétal, mais aussi l’idée de la chair et du corps. Ce qui m’intéresse avec le bronze, comme avec tous les matériaux dont je me sers, c’est l’idée d’utiliser des matières présentes depuis très longtemps et qui vont sûrement nous dépasser dans le temps. Quand elle a été mise au point, la fusion du bronze n’était pas seulement de la technologie mais aussi, je crois, presque un rite qui allait changer le rapport de l’homme avec la matière. On peut comparer cela aujourd’hui avec le clonage par exemple, en ce qu’il y a une intervention dans un domaine qui était hors des possibilités de l’homme. Je crois aussi que le fait que le végétal soit si parfaitement reproduit dans le bronze n’est pas une casualité, car les éléments de la fusion sont encore aujourd’hui faits avec des branches d’arbre.

Vous ne retouchez pas ce bronze qui donne la sensation du végétal, mais entretenez-vous ce mimétisme ?
Le mimétisme est une constatation. La matière a ce caractère et je tente de l’utiliser pour ce qui lui est propre. Je pense depuis toujours qu’il ne faut pas la forcer à prendre des formes qui ne lui appartiennent pas. Il est important d’essayer d’en comprendre la nature afin de la traiter pour ce qu’elle est et ce qu’elle peut nous transmettre comme expressions et émotions.

À travers votre réflexion sur la matière, le toucher, etc., ne réfléchissez-vous pas finalement à l’établissement d’un nouveau lien entre la nature et la culture ?
Je ne cherche pas à toucher à ces arguments très complexes, mais je trouve absurde qu’une grande partie de notre pensée et de notre culture soit basée sur une idée de dualité entre l’homme et la nature. J’ai toujours fait un travail où l’homme a la même valeur que la chose. La chose qui touche a la même valeur que la chose touchée. Si je pose une main contre un arbre et que l’arbre croit, c’est lui qui produit la sculpture et non pas moi, et c’est lui qui devient la sculpture. Cette réflexion peut donner une valeur d’égalité entre les différents éléments. C’est facile à dire et très complexe à appliquer, mais je pense que si l’on veut survivre c’est peut-être une possibilité de réflexion.

GIUSEPPE PENONE

Jusqu’au 12 juillet, Galerie Marian Goodman, 79, rue du Temple, 75003 Paris, tél. 01 48 04 70 52, www.mariangoodman.com, tlj sauf dimanche-lundi 11h-19h.

Cet article a été publié dans Le Journal des Arts n°284 du 20 juin 2008, avec le titre suivant : Paroles d'artiste : Giuseppe Penone

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